100 - 119

100

LAYERS

Anthony Arrobo

Acuarela / bordes de papel

29.7 x 21 x 2.4 cms

Esta obra parte de la sencilla tesis que dice que la luz blanca, dentro de su carácter de invisibilidad -de nada-, tiene toda una gama de colores dentro de si. Este ejercicio de descomposición de la luz se hace visible mediante el paso de un rayo de luz por un prisma de cristal, o, en la naturaleza mediante una llovizna soleada. Pues bien, esta obra piensa esa noción de invisibilidad de los colores, y es usada para reflexionar la naturaleza de la enunciación artística desde un ángulo menos frontal. Es así que esta obra pretende abrir mundos desde ese espacio mínimo de los bordes. Pretende pensar-transmitir cierta reflexividad sobre la naturaleza de los bordes en donde la imagen puede ser posible. En cierto grado Layers es imagen que requiere -(pretende)- que sea leída de otra manera… talvez solo como un algo realizado por algún humano. Así, Layers reflexiona la noción de capa muy ligada a la concepción pictórica de la acuarela, una técnica que requiere de capas muy transparentes para construir la imagen, pero, el cambio que se da acá, es que las capas que construyen la imagen son vacías. Además podría añadir a esto que, esta obra podría ser un pequeño eco de aquella pregunta de Heidegger en donde nos decía “¿Por qué el ser y no mas bien la nada?”… talvez desde esta noción de nada esta obra pretende abrir caminos de interpretación, adentrándose al terreno de lo misterioso -de lo ambiguo-, de aquello que no es fácilmente traducido, y que, en cierta medida, llega a escaparse de aquella realidad que nos aqueja tanto en el día a día.

101

NUESTRO PARQUE SEMINARIO

José Matute

Anilina - marcador - témpera - lápiz -acrílico - piel de iguana / papel

Variable (10 piezas)

102

RETORNO

Sebastián Martínez

Collage - aserrín / madera

130 x 130 cms

Sin importar las distintas o múltiples transformaciones que la materia pueda tener, la esencia que la habita continuara manifestando su totalidad. A cada instante un cambio imperceptible y a la vez indetenible vuelve inútil el deseo de permanencia (apego, aferrarse), resultándonos fácil caer en la ilusoria idea de una realidad estática. Sin embargo el paso del tiempo nos muestra el resultado del continuo cambio, la nostalgia de aquel pasado nos encierra en el recuerdo de lo que jamás volverá, el ciclo de cambios es continuo e infinito.
En esta obra he buscado representar, de una manera sarcástica, imágenes como recuerdos vagos de arboles y bosques con el desecho más ínfimo que nos deja la industrialización de la madera: el aserrín, la imposibilidad de detener o revertir el ciclo natural. Reconstruir e interpretar un ser viviente con material muerto es una muestra de la ironía que existe entre la muerte del cuerpo y la trascendencia de lo que queda de él, entre lo efímero y lo eterno de nuestra existencia. Vivir el presente a pesar de conocer que el pasado y el futuro son infinitos, con todo y nada por venir.

103

XXXL

Leonardo Joniaux

Óleo / cartón prensado

231 x 161 cms

La obra apela a trascender la bidimensionalidad reflexionando sobre la percepción que todos tenemos hacia las condiciones físicas de nuestros iguales y la forma en que nos impacta la imagen proyectada de los otros, asì también, la medida en que nosotros impactamos a los otros al percibir nuestra reacción ante ellos. Asì se trata de incorporar a discusión nuestra posición de humanos con los acentos, prejuicios y condicionamientos culturales propios que forman nuestros egos y alter egos a los que en conjunto llamamos individuo y conforman nuestra personalidad según la cual nos relacionamos con los demàs.
Pretende llamar a repensar también sobre la alarmante y creciente validez en nuestra sociedad contemporánea de que el embalaje define lo que somos incrementando brechas sociales y generacionales garantizando además una reiterativa y errónea percepción de la cotidianidad con validez minina en crecimiento humano donde la delectación se sustenta en la materialidad, el hedonismo, el culto al dinero, placer y belleza y a la cìnica etiquetación de los individuos.

104

EN LA CASA DE JANNIS KOUNELLIS

Roberto Noboa

Óleo y pelo de pelotas de tennis / lienzo

130 x 300 cms

En esta obra pretendo hacer un acercamiento desde la pintura a la idea ficticia sobre el supuesto lugar de residencia del artista griego perteneciente al arte povera Jannis Kounellis. La composición esta ocupada por una cancha de tenis, árboles y el mar, también se ven algunos elementos que en algún momento el señor Kounellis utilizó en algunas de sus obras y que parecería, según esta pintura, que ahora tiene olvidados y en aparente descuido, por ejemplo; Un caballo blanco (ahora viejo) que se asoma en el fondo y nos recuerda a su conocida obra de 1969 “Doce Caballos en la galería El attico” en Roma. Otro elemento característico de la obra de Kounellis son las alfombras que aquí aparecen colgadas de los árboles y otras sobre el césped. La madera de los árboles también se relaciona a sus pesadas obras. He pintado delicadas cintas de colores que unen árboles, cancha de tenis y alfombras entre si. Aparte del óleo, también he pegado sobre la tela en la unión de los dos paneles (decisión Kunelliana ocupar espacios vacíos e intersecciones en la década de los 80) el “pelo” de varias pelotas de tenis viejas que corté con tijeras. Este lo he acumulado desde hace 6 meses aproximadamente para finalmente mezclarlo con basura, elemento que se relaciona directamente con el arte povera. En los árboles a lo lejos cuelgan varias herramientas, estas nos hacen pensar en el trabajo pesado. Me interesa crear un discurso en donde la tensión es creada desde la percepción con la ironía de un espacio de comfort y de recreo que se mezcla con el trabajo intelectual del artista que se proyectó como anti-color pero en este caso desde la pintura y el color mismo. Me interesa la relación que hay entre estos elementos y el análisis de la pintura como medio idóneo para reflexionar sobre la validez de ella misma. Vengo estudiando la cancha de tenis como elemento cargado de significados desde hace 8 años, tiempo en el que he encontrado en este deporte una herramienta relacionada en diferentes niveles tanto al arte como a la vida misma.

105

MEMORIA

Fabio Bajaña

Fotografía digital - artesanal / madera

80 x 15 cms

Muchas de las imágenes que guardamos en nuestro disco duro cerebral van sufriendo disoluciones y deformaciones a raíz que transcurren los años. Talvez el tiempo realiza la misma función al alterar con manchas y modificando los colores originales sobre una fotografía, ese mismo fenómeno ocurre en nuestra mente. Es por esta razón que las fotos que se toman en los parques son de una velocidad degenerativa que nos permite comparar lo que ocurre con la memoria.

La obra consta de cinco imágenes de un hombre en un parque, las dos primeras son realizadas en el mismo fondo y el mismo encuadre, aparece una gorra en la mano del hombre estas dos fotos son realizadas con una cámara digital, en las imágenes 3 y 4 el fondo del parque es otro con otro encuadre y la gorra en la mano del hombre ya no esta, esto refleja que en nuestra memoria estos detalles van desapareciendo, pero no la esencia del ser humano. Esta tercera y cuarta fotos son realizadas con una cámara artesanal y la quinta imagen es un negativo de la misma, con otro fondo.
Las 5 fotografías son en blanco y negro por el aire de antigüedad; de la primera a la quinta imagen va apareciendo defectos, daños que el tiempo imprime en las cosas o en la memoria del hombre.

También se alude a una memoria que va de la mano con el desarrollo histórico del arte fotográfico en otras palabras la memoria de la fotografía tecnológicamente hablando.
Las obra se colocaría verticalmente para que el espectador al seguir la secuencia de las fotos, que van desde la mas reciente a la mas antigua se vea obligado a encorvarse para observar la ultima imagen; al hacer esto los asistentes tomarían la postura de una persona mayor que envejece con la imagen

106

LOS CUATRO CABALLOS DEL APOCALÍPSIS

José Paredes

Acrílico / lienzo

200 x 250 cms

Salió un caballo de color fuego a el se le concedió quitar de la tierra la paz para que se degollaran unos a otros, la guerra cruel echa por el hombre en la cual se derrama sangre y se causa dolor, un espantoso mensaje, cuando el alimento será racionado por balanzas y el agua será cuidada como oro siendo un problema mundial continuo. La muerte esta seguida de cerca sin de que se de explicaciones de cómo, enfermedades, pestes y pobrezas arrasaran con la humanidad y no habrán mas victorias, especialmente en escenas de guerra y violencia.

107

DESPERTAR EN AZUL

Camile Cote

Óleo / lienzo

200 x 180 cms

Se trata de aceptar el pasado que continua en el presente. Del hombre que llego a dar un valor material y con eso logro esclavizar al hombre en nombre de los objetos. Este hecho es presente en todo lo cotidiano, asta en las mismas actitudes de las personas como el egoísmo que genera del egocentrismo. Del tener que ser como el otro para complacer al otro. Esto se puede entender de la palabra, conquistar. “Despertar en azul” es en sentido un auto-retrato donde yo soy la que observa desde afuera el gran problema en que estamos, en la falta de darnos cuenta de lo que sucede en el mundo de hoy. El ser humano fue y continua siendo manipulado por el sistema en que nos han plantado otra gente mayor que también lleva la misma manipulación. Dejaron de ser honestas con otros y más que todo con ellos mismos. En fin todo con todo esta envuelto en un basurero donde nada en verdad tiene un valor.

108

BLANCA SOLEDAD

Diana García
Acrílico y fósforos / lienzo

120 x 90 cms

El tema de la obra es la soledad. Vivimos en un mundo rodeado de personas y aun así nos sentimos solos. Vivimos en un mundo que puede sentirse duro, gris y pesado. Somos como pequeños fósforos en el frío mundo, con la capacidad y el potencial de encendernos. Nosotros podemos iluminar y contagiar de luz a los demás. Nuestro fuego puede afectar positivamente a otras personas, a pesar de lo gris que nos rodea y a pesar de parecer pequeños e insignificantes.

109

PRINCIPIOS SAGRADOS Y CONSTRUCCIONES CONTEMPORÁNEAS

Iván Martinez

Tinta - acrílico - óleo / lienzo

40 x 138 cms

Obra plástica que evoca la necesidad primordial en la humanidad (una vivienda), la misma indica las técnicas empleadas en las construcciones y la utilización de varios artilugios en su elaboración (caña guadua), además reflexiona sobre las teorías del desarrollo y las manifestaciones constructivas populares locales (el empleo de técnicas y tácticas en la costa), también se descubre la necesidad de construcciones similares en todos los rincones de la ciudad y el país, Nombre desconocido aun, no intenta hacer reflexionar d algo obvio, solo mostrar las técnicas plasmadas en las construcciones contemporáneas y sus principios sagrados.

110

DILEMA COTIDIANO DE UN VIERNES POR LA NOCHE

Diego Medina - Solange Dávila

Óleo / lienzo

250 x 112 cms

Se acerca la fecha del Gran Salón de Julio, los pintores se reúnen sin saber que esperar, pensando en una pieza que rompa con lo cotidiano, que maneje conceptos sin dejar a un lado la pintura tradicional. Existen muchas tendencias dentro del Salón, los pintores cuestionan, analizan, investigan. Nos encontramos en un país donde las personas que formamos parte de lo cultural pensamos sólo en nosotros, nos dedicamos a creer que sólo nuestra tendencia, en lo que creemos como “Arte” es lo válido, en vez de unir conocimientos para juntos salir adelante como “Artistas” que somos todos.
“El Chulo y Burbuja”, cuestionan el arte en el Ecuador. Que pasa con el “Arte Contemporáneo”, como lo medimos, cuales son sus límites…En esta obra que muestra una pintura de calidad, ellos expresan sus temores e inquietudes, tomando conversaciones de un “Viernes por la Noche”, donde plantean, cuestionan y preguntan al jurado muchas de sus dudas. El jurado a través de una pieza muy sencilla, cómica y singular, debe contestar a los pintores estas interrogantes. Para los que observen la obra, esta habla por sí sola y de alguna manera hace que el espectador se sienta relacionado con ella. “El Chulo y Burbuja” transmiten a través de la pieza emociones que todos en algún momento hemos sentido con el fin de que el espectador tome de la pieza lo que necesite y llegue a sus propias conclusiones.

111

PORCINA

Jorge Luis Vera

260 x 90 cms
Óleo / lienzo

POR EL NUEVO VIRUS QUE TUVO A LOS ECUATORIANOS ATERRORIZADOS
Y LA FORMA COMO LA PRENSA INFORMO SOBRE ESTE VIRUS
DE HAY BIENE EL NOMBRE DE LA OBRA PORCINA.
DONDE TENEMOS UN PERSONAJE QUE LE HEMOS DADO LA FORMA DE UN
CERDO Y LA MULTITUD ATERRORIZADA POR EL, DONDE SE VE LA
CIUDAD DE GUAYAQUIL DE FONDO, EN COLOLRES ROSADO CLAROS Y FUERTE
DANDO A LOS COLORES DEL CERDO ROSADO.
Y TONOS MULTICOLORES EN LAS PEÑAS PARA QUE TODO NO SEA TERROR, MIEDO ETC.

112

PETRO "HACHAS" POLARIS LAPIN
Marcador / cartulina

70 x 100 cms

Petro nació un domingo después de ver algunos videoclips y de comerse toda la miel de un tarro muy colorido. Es judío. Siempre está con los ojos desorbitados y muy abiertos. Suele mirarme con un poco de temor –o al menos eso creo- porque como se le desorbitan los ojos nunca sé si realmente me está viendo; creo que está loco.
No nos llevamos muy bien porque él come conejo y a mí me da pena por los conejos, pero él me dice que yo como pollos, vacas ,chanchos y peces.
Aparte de siempre andar con su hacha es guía de un bosque que todavía no logro imaginar, o al menos no me he animado a ponerlo en un papel. No sé si sea correcto llamarlo guía, porque se la pasa diciendo mentiras -igual que yo- y hace que todos nos perdamos dentro del bosque lleno de murciélagos y de luciérnagas. Él dice que es mejor perderse y disfrutar del camino más largo. No entiende nunca por que siempre la gente quiere salir más rápido de todas partes, tampoco entiende por que piden direcciones a alguien con los ojos tan desorbitados.

113

TÉCHNE

José Luis Choez

Óleo - acrílico / paletas de madera
30 x 300 cms

La obra está construida dentro de unos mecanismos básicos de investigación entre el artista y su obra, procedimientos técnicos y conceptuales que definen la construcción o deconstrucción de dichos trabajos. El material escogido que permitió realizar el registro de esta pieza es la paleta que el artista usa como herramienta básica que si bien es cierto el soporte (paletas) es un material muy recurrente y con un océano de usos dentro de la extensa historia del arte. Este elemento es común en la práctica plástica, pero el fin no es precisamente el soporte, sino el registro o huella única e irrepetible como la obra misma que deja el artista como resultado de esta práctica.
El proceso para el desarrollo de esta pieza fue investigar y seleccionar a varios artistas plásticos y contemporáneos que iban a participar en el Salón de Julio y en cuyos trabajos podría estar inmersa estos elementos, anticipándome al desarrollo de sus obras les repartí estas paletas para que sean intervenidas (usadas) durante la creación de sus proyectos, luego fueron recolectadas para formar esta pieza.La palabra téchne es técnica en griego, que se ha traducido como arte. Una técnica es un procedimiento que tiene como objetivo la obtención de un resultado determinado, en el arte o en cualquier otro campo. Usualmente, la técnica requiere del uso de herramientas y conocimientos muy variados, que pueden ser tanto físicos como intelectuales.

114

GREGORIO TZANZA PARA COLOREAR

Jorge Velarde

Impresión digital - óleo / lienzo
145 x 199.5 cms

La obra es una variación de Bicho (2008). Se trabaja el dibujo por medios digitales para llegar al juego de colorear por números. Esto busca enfrentar al propietario final a la posibilidad de culminar el proceso de elaboración de la obra. La reproductibilidad de la obra da como resultado un original distinto cada vez que alguien concluye el trabajo del autor. Presentada la obra como todavía inconclusa busca iluminar un mecanismo que rápidamente se ha vuelto indispensable en el quehacer pictórico contemporáneo. El ejercicio del dibujo como una forma de pensar es reemplazado por la impresión digital en pos de una productividad. La misma obra goza de esta cualidad consciente de esta y otras contradicciones.
La ausencia de la caligrafía del autor invita a dejar otra huella por medio del juego. Es un autorretrato pintado por otro. La paleta siendo pintura como máscara posibilita el reflejo del que llegue a completar la obra. Este elemento, símbolo del oficio, une al autor con el otro no en el lienzo sino en el gesto de pintar.
El Gregorio de Kafka satiriza la postura del pintor/artesano con la que el autor se identifica. Con la misma comicidad del escritor se neutraliza la mirada romántica con que se asume comúnmente a este personaje icónico, pero como autorretrato es la mirada del pintor sobre sí mismo la que busca cuestionarse. La utilización de Tzantza como apellido, más allá del humor, busca extrapolar significados desde obras anteriores del autor.

115

IDENTIDAD, CONSCIENCIA SOCIAL, REGIONALISMO VS NECESIDAD

César Andrango

Acrílico y collage de madera / lienzo

120 x 100 cms

Al hablar de identidad nos referimos a todos los parámetros establecidos y no establecidos del aspecto humano y la condición del mismo, su vínculo y relación con la sociedad y su cosmogonía, costumbres, religión y cualquier forma de pensamiento humano sean estos enmarcados dentro del precepto de lo bueno y malo.
E ahí el punto a tratar con la obra planteada como propuesta de desvinculación a todos aquellos conceptos de identidad cultural, social e individual que desvirtúan la condición cognoscitiva y racional de un ser totalmente comprometido con su patria y la humanidad.
Natural tal vez sea en un país en el que la condición de “tercer mundista” aun exista ciertos complejos de discriminación regional ya que en vivo contraste con la condición anteriormente mencionada este coordenada del mundo llamada Ecuador ha sido agraciada con diversas regiones geográficas y climáticas en las mismas que ha sido posible el desarrollo de una generación única pluricultural, pero que lamentablemente la sociedad en sus diversas clases sociales, grupos étnicos, regionales etc. No sean lo suficientemente capaces para ser responsables de asimilar esta realidad en nuestro país.
La riqueza ecológica, antropológica, étnica, cultural, fluye por las venas de este territorio, invito a todos a sentirse orgullosos de que se les ha permitido nacer es este país, a protegerlo y aportar para que cada día crezca y sea un país donde sea posible vivir en paz ya que todos somos Ecuador y necesitamos de el.
Considerando esta problemática se plantea revalorar estos aspectos trascendentales en la sociedad como son la interrelación con los semejantes sean de cualquier parte del país, costa sierra, oriente, o Región Insular ya que al final todos existimos por un bien común que es la supervivencia.
La obra de ha sido ejecutada tomando en cuenta la psicología del color por tal motivo para cada región se ha aplicado las tonalidades de acuerdo a esa psicología como son. Para la Costa colores cálidos que van desde un beige pasando por ocres y finalizando en violetas lo cual menciona o denota la calidez de su clima, el color de las arenas en sus playas y la alegría de su dente su geografía y vegetación.
Para la región sierra y parte central de la obra se rescata el color de los andes como son las nieves perpetuas de sus nevados que imperecederas desafían al tiempo consumidor de las cosas, y para la región oriental o amazónica se aplica un sinnúmero de tonalidades análogas al verde ya que de esta forma se pone de manifiesto la riqueza de sus selvas sus misticismo en la flora fauna y representaciones étnicas, todo el contorno de la representación se rodea de azules y turquesas que son las aguas costeras que bañan las costas de este privilegiado país y especialmente la región insular.
En la parte central baja se instala a forma de collage un madero deteriorado por el tiempo enemigo de los años el mismo que representa la vulnerabilidad de la condición humana ante las adversidades y sus convicciones ideológicas, religiosas y políticas por las que a gran escala el único afectado es el país, Ecuador.
En cada región se yuxtapone una figura de representatividad cultural ancestral obedeciendo el origen de la psicología por la que hoy la sociedad se desenvuelve..La obra en si viene a constituir un mapa mental en el que se posicionan todos los aspectos desde los mas los mas intrínsicos hasta los de carácter mas intelectual por la que la sociedad se rige para subsistir sin el nivel concientisivo necesario para poder determinar que por su irresponsabilidad, pereza mental y neurológica el único afectado es el país y las futuras generaciones por lo tanto hay que despertar ese juicio critico en todo ámbito, ecológico humanístico, científico y por supuesto artístico.

116

PUERTA DE INFECTOLOGÍA

Wilson Pinchao

Óleo / acrílico

120 x 100 cms

Una pandemia que afecta a todo el mundo tanto a jóvenes, adultos y niños.
En nuestro país los afectados son los niños en su mayoría, motivo por el cual, la obra muestra a un niño con una mirada perdida sin saber nada de lo que esta pasando, con una multitud de manos atrás y delante de el.Las manos y el niño empujan aquel vidrio que imaginariamente se lo representa como la puerta de infectología.

117

s/t

Pedro Sánchez

/ papel

El dibujar a estado inscrito en poner sobre el papel lo que se ve, o distintas emociones u otras implicaciones del arte propiamente dicho; y si se tiene algún conocimiento académico y su vez anatómico, pues este debe tener una factura profesional; sin importar estilos o lúdicas del trazo. Proporcionar bien la figura que se esté esbozando, delineando, rayando o diseñando, como tal vez diría la historia del arte – captar la esencia, dominar el trazo en la representación del cuerpo o cosa que se está dibujando. Todo esto revuelto en un ejercicio de pre dibujo que a su vez ya es un dibujo, podría ser redundar en el hecho, pero acaso en esta manera mecánica de dibujar no se puede encontrar la esencia del modelo, y si no deberíamos preguntar a niños y personas a las cuales les es atrayente, y descubren formas y figuras por medio de realizar esta acción.

118

LOS CALLADOS PUEBLOS DEL DEMAGOGO

Marcos San Martín

Óleo - acrílico / lienzo

130 x 70 cms

119

VULNERABLES

Martín Cano

Óleo / lienzo

210 x 104 cms

VULNERABLES APUNTA AL PROCESO DE CAMBIO Y ALAS CONSECUENCIAS QUE PUEDE CAUSAR ESTE, POR LA FALTA DE INFORMACION CON RESPECTO A LA EDUCACION VIAL
DEBIDO A QU ELOS SECTORES CON MAS FALTA DE CONOCIMIENTOS DE ESTE PROCESO
DE CAMBIO SON LOS SECTORES MARGINALES DE LA POBLACION ECUATORIANA .
TODA TRANSFORMACION CONLLEVA UN COMPROMISO DE ENTENDER Y HACER ENTENDER
LA MAGNITUD DEL PROBLEMA QUE OCACIONA LA FALTA DE COMUNICACIÓN , O EL POCO INTERES QUE PRESENTAN DICHOS AGENTES RECEPTORES,SEA ESTE POR EL DESCONOCIMIENTO O POR LA FALTA DE OPORTUNIDAD DE TENER UN MEDIOPOR DONDE LES SEA MAS VIABLE EL ACEPTAR Y APRENDER EL CAMBIO QUE PARA BIEN DE LA COLECTIVIDAD URBANA RESULTARIA FAVORABLE Y DARIAN SUS FRUTOS, ES POR ESTO QUE LA AYUDA QUE OTORGEN TODOS SECTORES SERIAN UNA VENTAJA PARA TODAS Y TODOS AQUELLOS QUE NO TINEN OPORTUNIDADES PARA DESARROLLARSE COMO UN INDIVIDUO PRODUCTIVO DE BIEN PARA LA COLECTIVIDAD.