PARA TUS HIJOS
Jhonny Guerra
Acrílico / vejigas con monóxido de carbono
100 x 100 x 250 cms
La propuesta se inicia con la observación de los carros en las calles que indiscriminadamente contaminan con monóxido de carbono expulsado por sus tubos de escape en la ciudad a vista i paciencia de todos, cómplices o ingenuos, ecologistas vanguardistas o petroleros conservadores sedientos; sin inmutarse, respirándolo
La segunda etapa era devolverles el favor, a ellos no, porque están podridos pero que tal si a sus hijos, a sus nietos, a sus niños les obsequiamos un inocente globo, símbolo de pureza e inocencia para que jueguen, i una vez que les explote en la cara dicho globo aspiren las miserias del mundo, que tal morir jugando?.. Sin darse cuenta… ¿así no asesinan?
La tercera etapa es la experimentación, ¿cómo lograr “envasar” el monóxido de carbono dentro de los globos?... A través de un dispositivo compuesto de un tubo, manguera i boquilla que va conectado al tubo de escape del siniestro carro i del otro lado del inocente globo… de ahí en adelante todo son pruebas físicas contra el calor, condensación, evaporación, expulsión, tiempo, gravedad i resistencia de no dejar todo botado.
La última parte es la denuncia, en mis diarios recorridos por Guayaquil anoto las placas de los carros que mas contaminan i me contaminan i esos irán pintados en los globos, algunos colaboran… otros “pasan a ochenta” como suelen decir las abuelitas (solo la mía).
Debido a la fragilidad de la obra en caso de ser seleccionada puedo incluir i/o reemplazar con mas globos, el dispositivo está listo i entero... números de placas me sobranFinalmente la estructuración de la propuesta i su mensaje va mas allá de sus materiales o su plástica. Va con su esencia.
La segunda etapa era devolverles el favor, a ellos no, porque están podridos pero que tal si a sus hijos, a sus nietos, a sus niños les obsequiamos un inocente globo, símbolo de pureza e inocencia para que jueguen, i una vez que les explote en la cara dicho globo aspiren las miserias del mundo, que tal morir jugando?.. Sin darse cuenta… ¿así no asesinan?
La tercera etapa es la experimentación, ¿cómo lograr “envasar” el monóxido de carbono dentro de los globos?... A través de un dispositivo compuesto de un tubo, manguera i boquilla que va conectado al tubo de escape del siniestro carro i del otro lado del inocente globo… de ahí en adelante todo son pruebas físicas contra el calor, condensación, evaporación, expulsión, tiempo, gravedad i resistencia de no dejar todo botado.
La última parte es la denuncia, en mis diarios recorridos por Guayaquil anoto las placas de los carros que mas contaminan i me contaminan i esos irán pintados en los globos, algunos colaboran… otros “pasan a ochenta” como suelen decir las abuelitas (solo la mía).
Debido a la fragilidad de la obra en caso de ser seleccionada puedo incluir i/o reemplazar con mas globos, el dispositivo está listo i entero... números de placas me sobranFinalmente la estructuración de la propuesta i su mensaje va mas allá de sus materiales o su plástica. Va con su esencia.
141
SUPLANTACIONES DE LAVANDERAJoel Ramirez
Cloro, pigmento y grasa sobre tela de sábana
220 x 180 cms
Las banderas no se lavan: Enjabonar, restregar, blanquear, enjuagar, exprimir y secar.
La obra suplantaciones de lavandera es una forma de confrontar lúdicamente a dos personajes de la historia pasada y contemporánea guayaquileña, Simón Bolívar y León Febres-Cordero, trabajando sobre las polémicas suplantaciones de los nombres de lugares en la ciudad (malecón a la orilla del río Guayas y el aeropuerto), lavándola de la influencia foránea de Bolívar, y la necesidad de enjuagarla con próceres propios como Febres-Cordero (cloro León) o José Joaquín de Olmedo, sin olvidar a los foráneos, y la forma como se remoja la memoria futura del imaginario social, a través de la suplantación.
Poner a secar la sábana que parece bandera en un cordel en la pared del museo, en mi obra relaciono la pintura como una acción de lavandería, ya que la lavandera aparte de reemplazar la mugre también lo hace con los colores de la ropa con los accidentes con el cloro. Los elementos que utilizo en esta obra son: tela de una sabana desteñida con cloro, grasa y pigmento.
La obra suplantaciones de lavandera es una forma de confrontar lúdicamente a dos personajes de la historia pasada y contemporánea guayaquileña, Simón Bolívar y León Febres-Cordero, trabajando sobre las polémicas suplantaciones de los nombres de lugares en la ciudad (malecón a la orilla del río Guayas y el aeropuerto), lavándola de la influencia foránea de Bolívar, y la necesidad de enjuagarla con próceres propios como Febres-Cordero (cloro León) o José Joaquín de Olmedo, sin olvidar a los foráneos, y la forma como se remoja la memoria futura del imaginario social, a través de la suplantación.
Poner a secar la sábana que parece bandera en un cordel en la pared del museo, en mi obra relaciono la pintura como una acción de lavandería, ya que la lavandera aparte de reemplazar la mugre también lo hace con los colores de la ropa con los accidentes con el cloro. Los elementos que utilizo en esta obra son: tela de una sabana desteñida con cloro, grasa y pigmento.
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MI MODELO TAMBIÉN SE INSPIRA
Christian Moreano
Óleo / lienzo
Díptico 270 x 150 cms
Sin pasar por alto mi Alter Ego, trato de recrear una situación distinta a lo establecido, manifestándolo como una fantasía pictórica, sin tratar de romper esquemas, he tratado de representarlo al revés: que sea la modelo la que se atreva a pintar al artista, y si es una modelo la que se decide a hacer este experimento, este es el resultado, el artista casi reducido a un cubo, no me siento despreciado ni ofendido, por lo menos a la modelo la hago ver cuadritos y no es una critica, por lo menos esta respuesta me pregunto será una mimesis, la verdad que esta obra artística en que me represento siendo pintado por mi modelo se fue de mis manos porque el resultado final se complementa y es parida con las manos de la modelo Catherine que también pinta.
Nota Complementaria
Esta obra son parte de mi serie denominada cuadros que paren en este caso el cuadrito adicional fue parido por las manos de mi modelo que esta representada en el cuadro principal ( madre ).
Nota Complementaria
Esta obra son parte de mi serie denominada cuadros que paren en este caso el cuadrito adicional fue parido por las manos de mi modelo que esta representada en el cuadro principal ( madre ).
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PRODUCT SOLD / ARTIST SOLD
Karla Quinga
Óleo - acrílico / lienzo - cartón
110 x 80 cms
Product sold/artista sold trata de demostrar e proceso por el cual os artista pasamos al momento de pitar o realizar una obra para una evento
Una obra se vuelve en un producto, es por e eso que un artista pinta lo que venderá, en este caso nuestro mi producto, una representación de la artista, el artista hecho producto.
Acompañado de elementos m importantes que incrementan siempre el valor del producto q lo terminan denominando de esa forma
El vacío, el empaque, la etiqueta de restricción, que en esta obra juega un papel mucho mas importante que el propio producto, a que gracias a ésta es que el producto logra salir de su stand y ser levado por el consumidor
El pintor pinta lo que vende, un artista vende lo que pinta; y las etiquetas o filtros permiten que el producto salga sea “consumido”.
Con esta obra presento mi producto, el artista se vende a al mundo, ¿será su obra objeto de consumo?.
Una obra se vuelve en un producto, es por e eso que un artista pinta lo que venderá, en este caso nuestro mi producto, una representación de la artista, el artista hecho producto.
Acompañado de elementos m importantes que incrementan siempre el valor del producto q lo terminan denominando de esa forma
El vacío, el empaque, la etiqueta de restricción, que en esta obra juega un papel mucho mas importante que el propio producto, a que gracias a ésta es que el producto logra salir de su stand y ser levado por el consumidor
El pintor pinta lo que vende, un artista vende lo que pinta; y las etiquetas o filtros permiten que el producto salga sea “consumido”.
Con esta obra presento mi producto, el artista se vende a al mundo, ¿será su obra objeto de consumo?.
144
¿CUÁL ES LA VERDAD?Stephano Espinoza
Acrílico / lienzo
100 x 150 cms
El sujeto esta desabrochándose el botón para liberarse de falsedades y encontrar la verdad pues solo así definirá sus opiniones, alejándolo de la ignorancia que abunda en nuestra sociedad. Al encontrarla tendrás tu propia opinión que se ajuste a tu forma de pensar como una camisa hecha a tu medida.
145
¿CORAZÓN O TUMOR?Sandra Alvarado y Érika Jiménez
Collage / lienzo
100 x 90 cms
Esta es una representación de los sentimientos de nuestro mundo, vacío y huraño por actitudes negativas, gente corrupta y pasiones desenfrenadas.
La obra muestra un corazón hecho en relieve de papel algo manchado para simbolizar la tristeza, la falta de moral y elementos positivos en el mundo actual, que poco a poco va perdiendo todo lo q tenemos bajo nuestra concepción de buenas costumbres, solidaridad, amor sincero, honestidad, sentido de ayuda social.
Al referirnos como amor sincero queremos recalcar también la degeneración que tiene el hombre hacia la vida misma y las relaciones interpersonales como también de pareja, que cada vez se deterioran más; por diversos factores como: los altos índices y el crecimiento del aborto, la destrucción masiva de los espacios naturales incluyendo también la caza indiscriminada, en el aspecto de las relaciones interpersonales y de pareja podemos resaltar el mero interés sexual que nos invade en nuestra sociedad, esto provoca una degeneración entre hombres y mujeres que ocasiona falta de responsabilidad ante las consecuencias y desinterés ante los sentimientos de las demás personas.
Por esto, el corazón representa al sufrimiento que tiene nuestro el ante todas las actitudes y acciones negativas ocasionadas por la humanidad, tanto así que denota un corazón triste, vacío y marcado por sentimiento de dolor.Ante lo antes mencionado, queremos concientizar a la gente para decirles que solo está en nosotros el poder cambiarle el semblante al corazón de nuestro mundo, mediante un profundo cambio de actitud, cuidando sus espacios y su naturaleza, a la vez también de limpiar esos sentimientos de maldad y las acciones totalmente desmedidas en la gente, logrando así, alimentar el sueño de vivir de una manera más armoniosa en esta sociedad imperfecta.
La obra muestra un corazón hecho en relieve de papel algo manchado para simbolizar la tristeza, la falta de moral y elementos positivos en el mundo actual, que poco a poco va perdiendo todo lo q tenemos bajo nuestra concepción de buenas costumbres, solidaridad, amor sincero, honestidad, sentido de ayuda social.
Al referirnos como amor sincero queremos recalcar también la degeneración que tiene el hombre hacia la vida misma y las relaciones interpersonales como también de pareja, que cada vez se deterioran más; por diversos factores como: los altos índices y el crecimiento del aborto, la destrucción masiva de los espacios naturales incluyendo también la caza indiscriminada, en el aspecto de las relaciones interpersonales y de pareja podemos resaltar el mero interés sexual que nos invade en nuestra sociedad, esto provoca una degeneración entre hombres y mujeres que ocasiona falta de responsabilidad ante las consecuencias y desinterés ante los sentimientos de las demás personas.
Por esto, el corazón representa al sufrimiento que tiene nuestro el ante todas las actitudes y acciones negativas ocasionadas por la humanidad, tanto así que denota un corazón triste, vacío y marcado por sentimiento de dolor.Ante lo antes mencionado, queremos concientizar a la gente para decirles que solo está en nosotros el poder cambiarle el semblante al corazón de nuestro mundo, mediante un profundo cambio de actitud, cuidando sus espacios y su naturaleza, a la vez también de limpiar esos sentimientos de maldad y las acciones totalmente desmedidas en la gente, logrando así, alimentar el sueño de vivir de una manera más armoniosa en esta sociedad imperfecta.
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LA VENGANZA DE LOS CAÍDOSAbdón Segovia
Impresión digital / lienzo
Díptico 200 x 300 cms
Abdón Segovia cede comentario a Don Ronald Moreano.
Sustento Teórico
La obra con la participo en este Salón de Julio edición 50, tiene mucho significado y refleja lo que sucedió con el anterior Salón ya que la comunidad pictórica o concursantes, fue sorprendida, con el brochazo fotográfico como lo justifica una de las jueces de aquella ocasión que precede a este.
Aquí los quiero sorprender con otro brochazo fotográfico pero también aderezado con pintura verdadera de la efectiva de la que si mancha, son brochazos a mi manera o flash espontáneos hecho a base de pelotazos o paiting de pintura en la que pintores y no pintores participaron a bombardear y castigar el brochazo fotográfico representado en un emigrante en pelotas.
El personaje que utilizo como brochazo pictórico que representa dicha obra, también es un emigrante y ahora con la crisis global es despreciado en el extranjero y mal visto por los nacionales.
La pregunta del millón que me hago, esta obra de arte dramática tiene dos complementos, brochazo fotográfico y brochazo pictórico, ya esta demostrado que las dos formas también de hacer arte tienen valor, parodiando la expresión del hermano del Presidente: Si tienen la suficiente solvencia testicular (o vaginal) de no enviarlo a la bodega, LA VENGANZA DE LOS CAIDOS (los demás pintores), estarán de plácemes en esta edición 50 del Salón de Julio 2009.
ATT.Filosofo cocadin
Sustento Teórico
La obra con la participo en este Salón de Julio edición 50, tiene mucho significado y refleja lo que sucedió con el anterior Salón ya que la comunidad pictórica o concursantes, fue sorprendida, con el brochazo fotográfico como lo justifica una de las jueces de aquella ocasión que precede a este.
Aquí los quiero sorprender con otro brochazo fotográfico pero también aderezado con pintura verdadera de la efectiva de la que si mancha, son brochazos a mi manera o flash espontáneos hecho a base de pelotazos o paiting de pintura en la que pintores y no pintores participaron a bombardear y castigar el brochazo fotográfico representado en un emigrante en pelotas.
El personaje que utilizo como brochazo pictórico que representa dicha obra, también es un emigrante y ahora con la crisis global es despreciado en el extranjero y mal visto por los nacionales.
La pregunta del millón que me hago, esta obra de arte dramática tiene dos complementos, brochazo fotográfico y brochazo pictórico, ya esta demostrado que las dos formas también de hacer arte tienen valor, parodiando la expresión del hermano del Presidente: Si tienen la suficiente solvencia testicular (o vaginal) de no enviarlo a la bodega, LA VENGANZA DE LOS CAIDOS (los demás pintores), estarán de plácemes en esta edición 50 del Salón de Julio 2009.
ATT.Filosofo cocadin
147
ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA
Eduardo Arreaga (lalinchi)
Óleo / lienzo
220 x 105 cms
148
148
UN SOLO ANTES DE CENARRafael Risco
Marcador - acrílico / papel
49 x 82 cms
“El medio artístico utilizado como algo de moda. Que la novedad sucumbe en medio de las elites.
Mi obra trabajada en papel acuarela con marcador y acrílico es una manera de no tener excusa para buscar los medios para ser arte y que no sea otra manera de seguir moda y tendencias. Simplemente mostrar toda idea o inspiración, ya que cualquier herramienta es válida para comunicar.”
Mi obra trabajada en papel acuarela con marcador y acrílico es una manera de no tener excusa para buscar los medios para ser arte y que no sea otra manera de seguir moda y tendencias. Simplemente mostrar toda idea o inspiración, ya que cualquier herramienta es válida para comunicar.”
149
CUIDADO CON MIS PUNTAS
Liu Chong Qui
Acrílico / lienzo
67 x 187 cms
Mis puntas son mis primeras defensas, mis pinceles, mis ideas,
mi cabeza… no intentes traspasarlas… cuidado con mis puntas
mi cabeza… no intentes traspasarlas… cuidado con mis puntas
¿Para qué uno pone vidrios rotos encima de los muros?
Básicamente por una sola razón: para que cualquier persona que quieran meterse sin permiso tema salir lastimada.
Los muros desde el punto de vista domestico son un gran aviso: acá no tú no metas, es mí propiedad. Los vidrios son una amenaza: no te metas a mi propiedad, esto tengo para ti y si te metes podrás robarme pero ya me las habré cobrado.
¿Quién rompe una botella?
Un borracho contento, un borracho en un pleito, una persona cualquiera en un pleito con la finalidad de hacer daño, de rayar, de punzar, de penetrar, de amedrentar con un objeto feroz.
¿Quien hace eso con nosotros?
¿Quién nos amenaza, con quien nos hemos metido y nos ha ido mal, quien rompe botellas y nos obstaculiza el paso?Al artista ( Liu ) quien lo amenaza , Liu de quien se tiene que proteger, Liu a quien le ha dado su merecido ( eso también puede ser algo sugerido en tu obra , ya sea en le titulo , en algún detalle que le agregues a la pintura , en el marco , en la forma en que lo cuelgas , en algo en que intervenga el publico … etc.)
Básicamente por una sola razón: para que cualquier persona que quieran meterse sin permiso tema salir lastimada.
Los muros desde el punto de vista domestico son un gran aviso: acá no tú no metas, es mí propiedad. Los vidrios son una amenaza: no te metas a mi propiedad, esto tengo para ti y si te metes podrás robarme pero ya me las habré cobrado.
¿Quién rompe una botella?
Un borracho contento, un borracho en un pleito, una persona cualquiera en un pleito con la finalidad de hacer daño, de rayar, de punzar, de penetrar, de amedrentar con un objeto feroz.
¿Quien hace eso con nosotros?
¿Quién nos amenaza, con quien nos hemos metido y nos ha ido mal, quien rompe botellas y nos obstaculiza el paso?Al artista ( Liu ) quien lo amenaza , Liu de quien se tiene que proteger, Liu a quien le ha dado su merecido ( eso también puede ser algo sugerido en tu obra , ya sea en le titulo , en algún detalle que le agregues a la pintura , en el marco , en la forma en que lo cuelgas , en algo en que intervenga el publico … etc.)
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ROMPECABEZASPatricia Velásquez
Óleo, marcador, esferográfico / lienzo reciclado
Óleo, marcador, esferográfico / lienzo reciclado
90 x 60 cms
Nos hemos acostumbrado al dolor ajeno, a convivir con la desgracia regada en los parques, en las calles, en las carreteras de la vida. Repetimos páginas horrorosas de la historia universal como discos rayados, pero no nos damos cuenta o no nos importa replicar la tragedia de nuestros congéneres porque en nuestro egoismo buscamos el “progreso” basándolo en el uso y el abuso del ciudadano común, en el sudor de la frente de ese ser de rostro pálido y hambriento que camina sin prisas hacia el horizonte desde todos los rincones del planeta: el pueblo.
Al pueblo está dedicada la obra ROMPECABEZAS, a la soledad de cada cuerpo con frío, a la incertidumbre y el desdén de un reo de la “justicia”, a la ternura escondida detrás la mirada rencorosa y maquillada de una prostituta, a las pestañas sucias de los niños de la calle, de los hijos de las guerras, de los malabaristas del circo del mundo, esos que por arte de magia o con violencia, con pudor o sin él sobreviven al abandono, a la miseria, a la desigualdad universal.
ROMPECABEZAS es un preámbulo, antesala tímida de lo que no nos conviene mirar, por eso no sorprendería que el Jurado lo ignore. Es que para llamar la atención habría que gritar más fuerte pero el dolor se ha vuelto ronco, de voz baja y ojeroso; no es grande porque los cuerpos con hambre no son voluminosos; y no está elaborado con técnicas sofisticadas o perfeccionistas porque en los barrios de tolerancia, en los sectores marginales del mundo, nada es bello, nada calza, todo alcanza para cubrirse apenas un poco, sin gracia estereotipada, sin pretender coquetear con la “belleza”…
Al utilizar carteles públicos se pretende ocupar el espacio de los anuncios sobre celulares ultramodernos, de las propagandas sobre maquillaje femenino o sobre viajes turísticos inalcanzables para la mayoría de los habitantes del planeta Tierra. Las líneas que se detienen en cualquier punto en el centro de la carretera, representan los millones de seres que mueren día a día en las calles del dolor institucionalizado. Las grietas en el paisaje de fondo, en el rostro de una niña, son los huecos, los vacíos de ternura, las cicatrices de las caídas con las que convive el ser humano.
Valdría la pena preguntarnos para qué nos sirve el ejercicio de propaganda permanente dedicado al dolor maldito que vivieron los judíos en manos de Hitler, pero de nada nos sirve el recuerdo insistente si convivimos con las guerras, con las guerrillas… si el castigo al género humano se repite en la vida real y se imita en video juegos en donde le enseñamos a los niños, a los jóvenes, que matar, perseguir, violar, amedrentar, abusar, es parte de la rutina, es más , es parte de la rutina de diversión. Si los chicos se “disipan” persiguiendo soldados en pantallitas ubicuas que los dominan y nos dominan.
Para la realización de ROMPECABEZAS se utilizó un lienzo reciclado y para poder desarrollar la idea antes de que se “secara”, se eligió el óleo. Para darle fuerza a algunos contornos se usó marcador permanente y para trazar líneas más tenues se usó esferográfico porque su tinta brilla bajo la luz y de eso se trata, de que esas líneas perdidas en las carreteras, los hombres y mujeres “sin suerte”, al menos sean percibidos brevemente con la ayuda de material gráfico.El título de la obra obedece a la búsqueda tipo parche en la que incurre el hombre para parar la olla día a día, en cualquier punto del globo terrestre.
Al pueblo está dedicada la obra ROMPECABEZAS, a la soledad de cada cuerpo con frío, a la incertidumbre y el desdén de un reo de la “justicia”, a la ternura escondida detrás la mirada rencorosa y maquillada de una prostituta, a las pestañas sucias de los niños de la calle, de los hijos de las guerras, de los malabaristas del circo del mundo, esos que por arte de magia o con violencia, con pudor o sin él sobreviven al abandono, a la miseria, a la desigualdad universal.
ROMPECABEZAS es un preámbulo, antesala tímida de lo que no nos conviene mirar, por eso no sorprendería que el Jurado lo ignore. Es que para llamar la atención habría que gritar más fuerte pero el dolor se ha vuelto ronco, de voz baja y ojeroso; no es grande porque los cuerpos con hambre no son voluminosos; y no está elaborado con técnicas sofisticadas o perfeccionistas porque en los barrios de tolerancia, en los sectores marginales del mundo, nada es bello, nada calza, todo alcanza para cubrirse apenas un poco, sin gracia estereotipada, sin pretender coquetear con la “belleza”…
Al utilizar carteles públicos se pretende ocupar el espacio de los anuncios sobre celulares ultramodernos, de las propagandas sobre maquillaje femenino o sobre viajes turísticos inalcanzables para la mayoría de los habitantes del planeta Tierra. Las líneas que se detienen en cualquier punto en el centro de la carretera, representan los millones de seres que mueren día a día en las calles del dolor institucionalizado. Las grietas en el paisaje de fondo, en el rostro de una niña, son los huecos, los vacíos de ternura, las cicatrices de las caídas con las que convive el ser humano.
Valdría la pena preguntarnos para qué nos sirve el ejercicio de propaganda permanente dedicado al dolor maldito que vivieron los judíos en manos de Hitler, pero de nada nos sirve el recuerdo insistente si convivimos con las guerras, con las guerrillas… si el castigo al género humano se repite en la vida real y se imita en video juegos en donde le enseñamos a los niños, a los jóvenes, que matar, perseguir, violar, amedrentar, abusar, es parte de la rutina, es más , es parte de la rutina de diversión. Si los chicos se “disipan” persiguiendo soldados en pantallitas ubicuas que los dominan y nos dominan.
Para la realización de ROMPECABEZAS se utilizó un lienzo reciclado y para poder desarrollar la idea antes de que se “secara”, se eligió el óleo. Para darle fuerza a algunos contornos se usó marcador permanente y para trazar líneas más tenues se usó esferográfico porque su tinta brilla bajo la luz y de eso se trata, de que esas líneas perdidas en las carreteras, los hombres y mujeres “sin suerte”, al menos sean percibidos brevemente con la ayuda de material gráfico.El título de la obra obedece a la búsqueda tipo parche en la que incurre el hombre para parar la olla día a día, en cualquier punto del globo terrestre.
151
ABANDONADOS
Clara Gómez
Mixta / papel
63 x 102 cms
¿Quiénes son los abandonados?
152
AHORCADA EXPRESIÓNOmar Bajaña - Juan Carlos Acosta
Óleo - aerógrafo / lienzo
70 x 90 cms
Es el reflejo de la sociedad andante. Es la objetualización del poder por su ímpetu de la arrogancia dominando de una forma abstracta los medios reflejados en este expresionismo.
Basándonos en el entorno actual buscamos por este canal de percepción tratar de llegar a la reflexión de aquelos grupos y o movimientos que influyen en la diserción de la comunicación en nuestra sociedad.
Basándonos en el entorno actual buscamos por este canal de percepción tratar de llegar a la reflexión de aquelos grupos y o movimientos que influyen en la diserción de la comunicación en nuestra sociedad.
La obra esta llena de símbolos. El observador puede interpretarlo a su manera. El poder siempre quiere controlarlo todo. No sólo en nuestro país, sino también en los países de latinoamérica. La prensa y los medios de comunicación son forzados a “decir las intenciones del poder”. Algunos de ellos caen en ese sometimiento, pero otros valientemente no se dejan. Esta es la razón de las dos caras del personaje pintado. El poder ahorca o limita a la mayoria de los medios, así como un cinturón a un pantalón ajusta a la medida.
153
VISIÓN GENETICAMENTE MODIFICADA DE LA NATURALEZAMarcos Dioses Murillo
Mixta / papel - zinc
81 x 121 cms
Situación del hombre contemporáneo donde se ha enajenado dentro de su propia cultura de acaparamiento y consumo. En un mundo material que relega a segundo plano lo espiritual y humano, que lo ubica en soledad dentro de las dilatadas relaciones sociales. Ha reducido la naturaleza en materia prima, primando sobretodos las cosas los intereses económicos, industrializando la natural, modificándola genticamente. Encerrando ala naturaleza el hombre se encierra, destruyendo la naturaleza, el hombre se destruye y fragmenta a sí mismo, multando la estructura humana a medida que predice un futuro mejor, pero sin un mundo donde vivirlo.
154
ENSIMISMADOJuan Carlos Fernández (el mago)
Plastilina / madera - Óleo / lienzo
Díptico 176 x 256 cms
Utilizado el genero de “pintura ampliada”, esta obra habla sobre el proceso mismo de la pintura, utilizando el –Autorretrato- como convención pictórica y uno de los materiales empleados la plastilina, cuya nobleza (color, textura) permita simular o por lo menos acercarse en gran manera a una pintura tradicionalmente hablando, el proceso de abstraerse uno mismo, hasta encontrarse en uno mismo (materia) es el proceso que se representa en esta obra, un autorretrato construido con plastilina y un retrato del autorretrato que regresa a su forma natural, ese proceso cíclico de auto reflexión y abstracción se puede ver reflejado plásticamente en la obra.
De ninguna manera pretendo inventar algo, al contrario simplemente un proceso de mostrar una técnica alternativa y un proceso el cual defiendo que sería uno de los procesos mas puros para poder producir una obra pictórica.
De ninguna manera pretendo inventar algo, al contrario simplemente un proceso de mostrar una técnica alternativa y un proceso el cual defiendo que sería uno de los procesos mas puros para poder producir una obra pictórica.
155
DEMASIADO RÁPIDODaniel Mayanza
Óleo / lienzo
30 x 60 cms
La tecnología ha avanzado mucho en diferentes áreas, esto aparentemente nos beneficia, pero en lo alimenticio se ha llegado al punto en que lo que más ingerimos son sustancias químicas que a la larga afectará a nuestro organismo.
156
DESOLADOKristel Uscocovich
Óleo / lienzo
180 x 140 cms
157
s/t
Romina Muñoz
Acrílico / mdf
90 x 240 cms
Y si se le obligara a fijar su vista en la luz misma, ¿no crees que le dolerían los ojos y que se escaparía, volviéndose hacia aquellos objetos que puede contemplar, y que consideraría qué éstos, son realmente más claros que los que le muestra ..? El mito de la caverna (República, VII)
Me interesa el uso del punto como el principio de una imagen, como parte de, como un dibujo en si mismo. ¿cómo librarnos de él?. Explorar en lo que hay detrás, la imagen como lo inestable, como apariencia, como la atadura de los prisioneros, como eso que nos impide mover el cuello. Pretendo ir mas allá de la imagen inmediata, buscando en la fragmentación posibilidades.
Me interesa el uso del punto como el principio de una imagen, como parte de, como un dibujo en si mismo. ¿cómo librarnos de él?. Explorar en lo que hay detrás, la imagen como lo inestable, como apariencia, como la atadura de los prisioneros, como eso que nos impide mover el cuello. Pretendo ir mas allá de la imagen inmediata, buscando en la fragmentación posibilidades.
158
s/t
MARCO BARAHONA
Óleo / lienzo
170 x 110 cms
A veces en las tardes una caraNos mira desde el fondo de un espejo;El arte debe ser como ese espejoQue nos revela nuestra propia cara.
Me doy cuenta que todos los años que me he dedicado a pintar he hurgado en la estética de la naturaleza, y en mi afán de compenetrarme con sus formas orgánicas y colores siempre desemboco en el estudio de la figura humana.
Vivo el arte como una búsqueda del conocimiento, de la belleza y la verdad. Y ahí es donde me encuentro una vez más metido en mis cuadros, mirándome, traspasando mi cuerpo, analizando los colores de mi conciencia, en una repetitiva batalla por romper los marcos y esquemas impuestos, el artista desnudo, sin adornos, libre de los ismos y vanguardias.
Creo que la figura humana no puede ser excluida jamás de la representación pictórica, por lo menos mientras exista el ser humano en esta tierra, ya que es una fuente de verdad y conocimiento espiritual. Puedo pasearme por la ciudad y encuentro infinitas formas que me revelan la degradación de la condición humana así como lo excelso de los espíritus nobles.
A pesar de que los artistas estamos a expensas de la simpatía del público que es tan caprichosa como el soplo del viento, y que está acostumbrado a evadir el conocimiento de sí mismo, yo en cambio, lo confieso, no tengo el confort de evadirme de mí mismo.
Me doy cuenta que todos los años que me he dedicado a pintar he hurgado en la estética de la naturaleza, y en mi afán de compenetrarme con sus formas orgánicas y colores siempre desemboco en el estudio de la figura humana.
Vivo el arte como una búsqueda del conocimiento, de la belleza y la verdad. Y ahí es donde me encuentro una vez más metido en mis cuadros, mirándome, traspasando mi cuerpo, analizando los colores de mi conciencia, en una repetitiva batalla por romper los marcos y esquemas impuestos, el artista desnudo, sin adornos, libre de los ismos y vanguardias.
Creo que la figura humana no puede ser excluida jamás de la representación pictórica, por lo menos mientras exista el ser humano en esta tierra, ya que es una fuente de verdad y conocimiento espiritual. Puedo pasearme por la ciudad y encuentro infinitas formas que me revelan la degradación de la condición humana así como lo excelso de los espíritus nobles.
A pesar de que los artistas estamos a expensas de la simpatía del público que es tan caprichosa como el soplo del viento, y que está acostumbrado a evadir el conocimiento de sí mismo, yo en cambio, lo confieso, no tengo el confort de evadirme de mí mismo.
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EL VIOLINISTA
Victor Andrade Amador
Óleo / lienzo
40 x 50 cms
Cuadro que trata de expresar a un violinista en un clímax musical en medio de su silencio interior y su supuesta soledad. Silencio. Este cuadro pertenece a una serie de músicos en el que estos siempre se ven inmersos en una especie de trance en un espacio vacio.
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